Les peintures de Carroll Dunham vous font tortiller

Il y a quelque chose d’énigmatique dans l’œuvre de Carroll Dunham, même si le vocabulaire pictural qu’il emploie semble simple. Utilisant des plans de couleur audacieux et des contours presque caricaturaux, Dunham représente souvent des figures humaines nues dans des paysages naturels imaginaires, peuplés d’arbres et d’oiseaux, de chiens et de fleurs naïvement rendus. Dans ses peintures et dessins de femmes aux seins lourds et aux cuisses épaisses se baignant, ou d’hommes hirsutes se battant, Dunham permet au spectateur de rencontrer la vie dans une action vive et animée. Et pourtant, il y a une opacité palpable sur ses sujets : qui sont ces personnages mi-bibliques, mi-science-fiction, avec leurs mamelons en forme de boutons et leurs touffes de poils pubiens sombres, leurs corps s’étalant de manière discordante sur un paysage indifféremment gai ? Quel est le but et le sens des rituels obscurs que Dunham dépeint ces personnages se livrant, les yeux détournés du spectateur, comme s’ils hésitaient à voir leurs coutumes privées perturbées ou même regardées ?

L’étrangeté de l’espace extra-atmosphérique des protagonistes de Dunham pourrait nous rappeler que le chemin de l’artiste vers le nu figuratif a été non conventionnel. Né dans le Connecticut, où il a fréquenté le Trinity College, Dunham a déménagé à New York au début des années 1970 et a commencé à travailler comme assistant du peintre Dorothea Rockburne. Son propre travail a été influencé par l’approche cool au toucher, épurée et post-minimaliste de Rockburne et de son milieu, où l’art était «considéré comme un exercice philosophique», m’a dit Dunham. “J’avais un vocabulaire très, très réducteur dans mon travail.” De la fin des années soixante-dix aux années quatre-vingt, les peintures et dessins de Dunham se sont rapprochés de l’abstraction, représentant des volutes systémiques de lignes et de couleurs. Et pourtant, au fil des années et de l’évolution de sa carrière, Dunham s’est retrouvé attiré par la représentation de la figure humaine, d’abord dans le cadre d’un langage pictural semi-abstrait, d’où émergeaient néanmoins certains symboles répétitifs – hauts-de-forme, pistolets, bouches, pénis. , vulves – puis, dans les images pleinement étoffées d’hommes et de femmes, une riche veine qu’il poursuit maintenant depuis près de deux décennies. “Tout mon truc en tant qu’artiste est de me replier sur les choses”, m’a-t-il dit. Plus tard, il a ajouté: “À un moment donné, la vie commence à s’infiltrer.”

Aujourd’hui, à soixante-douze ans, Dunham est l’un des peintres américains les plus titrés et les plus respectés de sa génération. Son travail a été collectionné par de nombreuses institutions artistiques ici et à l’étranger, parmi lesquelles le Whitney Museum of American Art, le Museum of Modern Art et le Museum Ludwig. Plus récemment, ses peintures ont été présentées dans une exposition personnelle à la galerie Eva Presenhuber, à Zurich, où Dunham a représenté ses femmes et ses hommes familiers non pas séparément mais ensemble, pour la première fois, dans des actes de copulation. (Pour la première fois aussi, ces sujets ont été peints en vert.) Depuis le début des années 90-80, Dunham est marié à l’artiste Laurie Simmons, avec qui il a deux enfants : la réalisatrice, scénariste et actrice Lena Dunham, et l’écrivain et activiste Cyrus Dunham. Le couple partage son temps entre une maison du Connecticut, où Dunham tient également son atelier de peinture, et un appartement près de Union Square. Je suis fan du travail de Dunham depuis une dizaine d’années – un de ses petits dessins au stylo à bille, dans lequel une femme nue est représentée de dos, est l’un de mes biens les plus précieux – et, il y a quelques années, j’ai rencontré lui et me suis familiarisé plus intimement avec ses peintures lorsque j’ai écrit un essai de catalogue sur l’une de ses séries. Récemment, j’ai plongé encore plus profondément lorsque je me suis assis avec l’artiste dans sa maison de New York pour une conversation sur la peinture, le corps, la répression et la famille.

Vous revenez tout juste de Zurich, où vous avez présenté une exposition personnelle à la galerie Eva Presenhuber, qui est votre galerie depuis une dizaine d’années. J’ai regardé les images en ligne et j’ai vu que, même si l’art est très lié à votre travail passé, pour la première fois, vos personnages sont . . . vert?

C’est un grand changement. C’est tout un changement.

Pour la première fois aussi, ces personnages, hommes et femmes, font l’amour.

C’est dans ma tête depuis des années, mais c’est la première fois que je comprends comment faire fonctionner des peintures qui ont des hommes et des femmes ensemble dans les mêmes peintures. Ils semblent être en train de s’accoupler, alors ils ont quelque chose à faire ensemble. Il m’a fallu des années pour imaginer une manière de travailler avec un sujet comme celui-là sans que ce soit du sensationnalisme gratuit. C’est comme ça que ça se passe avec la peinture, pour moi. Il faut juste beaucoup de temps pour que les choses arrivent.

Mais même avec vos images figuratives où il n’y a pas de copulation, on pourrait les considérer, potentiellement, comme sensationnalistes, dans le sens où elles ont des orifices très graphiques, elles ont des appendices. . .

J’essayais juste de faire des choses honnêtes en termes de fascination pour les corps humains. En avoir un et les regarder. Et je rejette complètement toute association avec le porno ou quelque chose comme ça, parce que ce n’est tout simplement pas mon intérêt. Comme je l’ai dit aux gens pendant des années, les images qui impliquent des femmes pour moi ont plus à voir avec l’idée que tout le monde a une mère qu’avec n’importe quelle idée de la sexualité en soi. Et les images d’hommes qui impliquent des paires d’humains s’amusant, cela a autant à voir avec mon expérience d’avoir fait du cheval avec mon frère. Au moins à un niveau conscient, cela n’a rien à voir avec le sexe.

Est-ce parce que, pour que la peinture ait quelque chose à voir avec le sexe ou la pornographie, il faudrait qu’elle tente de titiller, et que ces images ne s’intéressent pas à ça ?

Si vous pouvez me trouver un gamin quelque part qui se branle en regardant des photos de mes peintures, j’aimerais les rencontrer. Mais je trouve cela hautement improbable. [Laughs.] Ce n’est tout simplement pas la zone. Il n’y a rien à ce sujet dans ce à quoi ressemblent les peintures ou dans l’intention derrière elles, pour autant que je puisse voir. Et je ne dis pas ça pour être malhonnête. Notre culture a relégué la réflexion sur le corps humain à des domaines assez effrayants, mais l’art existe depuis très longtemps et le corps humain est un sujet depuis le début.

Mais ce qui est intéressant dans votre travail, c’est qu’il peut aussi être effrayant, pas de manière sexuelle, exactement, mais en ce sens que le regarder nous confronte à quelque chose auquel nous ne pensons pas nécessairement. Quand nous sommes assis ici, en prise avec le corps de l’autre, de la même manière que nous le faisons dans le métro, ou dans une famille, il y a une répression concertée. Les pensées sur les pénis saillants des gens ou leurs orifices ne sont pas des choses qui viennent à l’esprit.

Je suis complètement d’accord. Je pense que c’est vrai. Mais c’est comme ça que je vois l’art, je suppose. L’art permet à des choses que nous n’utilisons pas dans notre espace social quotidien de se comprendre, de se catégoriser. L’art est une sorte de zone libre. Je vois des choses que je trouve beaucoup plus provocantes sur les côtés des bus ici à New York que dans mon propre travail. Et peut-être que cela signifie que je suis aveugle à l’effet de ce que je fais.

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